Brainwashed digital

Ein blauer Neonschriftzug empfängt die Besucher*innen der aktuellen Ausstellung Brainwashed der Sammlung Goetz im Haus der Kunst. Dort haben Jana Baumann (Kuratorin) und Julia Heldt (Assistenzkuratorin) einen Rundgang durch die Kabinette mit Videos und Installationen von 13 Künstler*innen inszeniert, der sich dem Phänomen des popkulturellen Mainstream widmet. Die Arbeiten setzen sich kritisch mit der kommerziellen Bildsprache in Medienformaten wie Reality-TV, einer von Selbstoptimierung beherrschten Werbebranche sowie einem mit zahlreichen Musikvideos international forcierten Starkult auseinander.

Aufgrund der Sicherheitsmaßnahmen zur Bewältigung der Corona-Krise ist die Ausstellung zurzeit leider geschlossen. Wir haben Ihnen jedoch zusammen mit den beteiligten Künstler*innen die Möglichkeit eröffnet, einige der Videos online von Zuhause aus anzuschauen. 

Das Haus der Kunst stellt in einer Blog-Reihe vier Videoarbeiten aus der Ausstellung genauer vor. In Kurzinterviews sprechen die Künstler*innen über die Hintergründe und aktuellen Bezüge der gezeigten Arbeiten.

#sammlunggoetzHDK

Cheryl Donegan
Head, 1993
1-Kanal-Video (Farbe, Ton)
3’ 1”, Loop
Sammlung Goetz, Medienkunst, München

In einen auffälligen, lilafarbenen Sport-BH gekleidet und begleitet von lauten Pop-Rock-Klängen, versucht Cheryl Donegan, die Künstlerin selbst, mit dem Mund immer wieder einen aus einem Behältnis strömenden Strahl Milch aufzufangen. Im Zuge dieser sich wiederholenden Handlung verändert sich das Setting, dessen Ästhetik an frühe Heimvideos von Anfang der 1990er-Jahre erinnert. Die Milch landet überall, auch auf der farblich grell kontrastierenden Papiertapete – das vermeintlich repräsentative Ambiente wird zum Ort der Zerstörung. Das Auffangen und Ausspucken der Milch sowie die küssenden Mund und Körperbewegungen als sexuell konnotierte Handlungen lassen die Szene ins Absurde driften.

Mit der Idee der Femme fatale, einer verführerischen und emanzipierten Frau, bewusst spielend, karikiert die Künstlerin geläufige Vorstellungen von einer „demütigen Frau“. Donegan macht sich damit massenkulturell geprägte Bilder von Weiblichkeit zu eigen und verdeutlicht diese mittels des Phänomens von Musik- und Work-out-Videos.

Bjørn Melhus
The Oral Thing, 2001
1-Kanal-Video (Farbe, Ton)
8’
Sammlung Goetz, München

In The Oral Thing steht Bjørn Melhus als Moderator einer inszenierten Talkshow seinen eigenen Klonen gegenüber. Die beiden Geschwister artikulieren sich mit Kinderstimmen, und ihre Aussagen könnten einer durchschnittlichen amerikanischen Familientalkshow entstammen, in der private Konflikte öffentlich ausgetragen werden. Die Gäste wie auch der Moderator wiederholen sich stetig selbst – die wiederkehrende Frage- und Antwort-Praxis lässt an Konzepte der psychologischen Manipulation denken. Melhus begibt sich mit Kleidung und Habitus in die Rolle eines beängstigenden Heilsbringers.

An das Phänomen des Reality-TV angelehnt, sollen den Zuschauern eine Form von Identifikation mittels alltäglicher menschlicher Probleme suggeriert und eine persönliche, emotionale Bindung zum jeweiligen TV-Format aufgebaut werden. Melhus hat die ironische Selbstinszenierung als Prediger, der seine Gäste nur zum Zwecke der Unterhaltung vorführt, gewählt, um so das Reality-TV an sich zu dekonstruieren. Er persifliert dessen Strategien, indem er diese ins Leere laufen lässt: Die Talkshow endet abrupt ohne ein versöhnendes Finale.

Wolfgang Tillmans
Lights (Body), 2000 — 2002
1-Kanal-Videoinstallation (Farbe, Ton)
5’
Sammlung Goetz, Medienkunst, München

Eindringlich erklingt in Wolfgang Tillmans Video Lights (Body) ein schneller Beat von melodischer Electro-House-Musik. Die gleich einer Offenbarung aufblitzenden Lichtkegel lassen einen Technoclub erahnen, das Geschehen der Tanzenden selbst jedoch ist nicht sichtbar. Detailaufnahmen von Scheinwerfern, sich in den Reflektoren spiegelnde Primärfarben und das sich auf einer Discokugel entfaltende Farbenspiel stehen im Fokus.

Als Orte einer alternativen Lebenskultur entwickelten sich die Technoclubs in den 1990er-Jahren immer mehr zu einem Massenphänomen, die Partys wurden zu wichtigen sozialen Ereignissen in Großstädten wie Berlin oder London. Tillmans hingegen blendet das Zwischenmenschliche in Lights (Body) aus und rückt das vereinnahmende Zusammenwirken von Musik und Licht in den Vordergrund. So wird der Ausstellungsbesucher mit Grundfragen der körperlichen und visuellen Wahrnehmung konfrontiert, indem er die Rolle eines Clubgängers einnimmt.

Shana Moulton
Whispering Pines 9, 2009
1-Kanal-Video (Farbe, Ton)
9’ 47”
Sammlung Goetz, Medienkunst, München

In dem seit 2002 beständig weiterentwickelten Werkkomplex Whispering Pines ist Cynthia, Shana Moultons Alter Ego, die Protagonistin. Der Titel benennt den Ort des Geschehens: eine Wohnwagensiedlung in Kalifornien, wo die Künstlerin selbst aufwuchs. Cynthia lebt ebenfalls dort in einem Flachbau, wo sie eine Reality-TV-Show in ihrem Fernseher sieht: In der Sendung wird vermeintlicher Trödel zu wertvollen Raritäten erklärt. Nun hofft Cynthia, gleichermaßen aus einer Vase und einem Spazierstock Gewinn schlagen zu können. Nach einem langen Weg durch verschiedenste Landschaften sieht sie sich in ihrer Hoffnung enttäuscht. Das scheinbar einzigartige Gefäß und der Spazierstock stellen sich surrealerweise als ein modernes Fußbad und ein Massagegerät heraus. So endet Cynthias Streben nach medial vermittelten Möglichkeiten in einer Rückbesinnung auf Körperlichkeit und deren Vervollkommnung.

Moulton verwebt Fiktion und Fakten, was sich durch die stets sichtbaren digitalen, collageartigen Schnitttechniken verdeutlicht. Auf den Spuren der im Spiritualismus wurzelnden „New Age“-Bewegung wandelnd, die im Kalifornien der 1950er-Jahre ihren Ursprung genommen hatte, verkörpert Cynthia eine Sinnsuchende. Der Drang nach Selbstverbesserung in einer kapitalistisch geprägten Gesellschaft hatte dort einen zentralen Ausgangspunkt.

zum Blog-Beitrag mit Hintergrundinformationen und Zusatzmaterial (Haus der Kunst)

Paul Pfeiffer
Live Evil (Bucharest), 2004 (Installationsansicht)
2-Kanal-Videoinstallation (Farbe, ohne Ton)
Loop
Sammlung Goetz, München

Paul Pfeiffer zeigt in Live Evil Videosequenzen von Michael Jackson auf der Bühne während dessen HIStory World Tour von 1996/97, der kommerziell erfolgreichsten Konzerttour aller Zeiten. Der King of Pop ist tanzend mit seiner ikonischen Bewegung des „Moon-Walk“ zu sehen. Allerdings hat Pfeiffer den Körper durch digitale Eingriffe verfremdet und die Figur des Stars verdoppelt und gespiegelt wie bei einem Rorschachtest.

Die sich aufeinander zu- und voneinander wegbewegenden Konturen führen zu einer Auflösung des Körpers, und die Projektion über Eck forciert zusätzlich die Abstrahierung des Bildes. So entsteht ein wortwörtlicher Zusammenschnitt von Jacksons medialer Repräsentation, durch den die reale Person dekonstruiert wird. Entgegen seiner sonstigen Ungreifbarkeit lädt die kleinformatige Darstellung dazu ein, nahe an das Idol heranzutreten. Mittels der digitalen Manipulation von vorgefundenem Material, oftmals von massenkulturellen Spektakeln aus der Sport- und Popwelt, reflektiert Pfeiffer die kollektive Wahrnehmung und wie diese von den Medien maßgeblich beeinflusst ist. Die von ihm beobachteten Verschiebungen von Realität werden in Live Evil (Bucharest) auch medial gespiegelt.

Ryan Trecartin
What’s the Love Making Babies for (from the movie collection, Early Baggage, 2001 — 2003), 2003
1-Kanal-Video (Farbe, Ton)
21’ 50”
Sammlung Goetz, Medienkunst, München

Ryan Trecartins What’s the Love Making Babies for ist eine reizüberflutete Collage von digitalen und realen Bildern und Effekten, begleitet von lauten, abstrakten Sounds. Dies ist die Folie, vor der ein Gespräch zwischen Trecartin und seiner langzeitigen Kollaborateurin Lizzie Fitch stattfindet, das um die Abschaffung der Geschlechter kreist. Die aus der hier propagierten biologischen Sicht überflüssig gewordene Reproduktion wird dabei zum Fetisch erklärt. Dem gegenübergestellt ist eine in ebenso überspitzter Perspektive verbildlichte Gesinnung, die Abtreibung wie auch Homosexualität ablehnt und einem fiktiven Gott der Fruchtbarkeit huldigt. Trecartin unterläuft damit kulturell geprägte Zuschreibungen von Geschlechtlichkeit, wie sie in den Massenmedien forciert werden.

Dem Verhältnis von Reproduktion und Distribution widmet sich Trecartin auch auf medialer Ebene am Übergang von der TV-geprägten Kultur zum digitalen Zeitalter. Mittels einer pointierten Inszenierung ruft er Fernsehformate wie das Reality-TV in Erinnerung, etwa indem er dessen Kamerapositionierung in den Raumecken aufgreift. Auch die Techniken und Motive von Musikvideos – oder deren amateurhaftes Nachstellen im Privaten – wie schnelle Schnitte, frontale Nahaufnahmen und grelle Kostüme macht sich Trecartin zu eigen, um die Anfang der 2000er-Jahre zu beobachtenden medialen Selbstdarstellungen und kulturellen Rollenzuschreibungen zu reflektieren.

assume vivid astro focus
Walking on Thin Ice, 2003
1-Kanal-Videoinstallation (Farbe, Ton)
5’20” Loop
Sammlung Goetz, München

Der schrille Gesang des Transgenders Carla Machado ertönt im farbenfrohen Raum. Im Video zelebrieren junge Darstellende übertriebene Weiblichkeit. Sie zeigen sich spärlich bekleidet, mit starkem, beinahe bis zur Maskierung übersteigertem Makeup; sie schminken sich, singen, tanzen und flirten mit der Kamera und dem Publikum. Die einzelnen Sequenzen sind mit grafischen Ornamenten und Graffiti-Schriftzügen, die sich auch in der Tapete im Hintergrund wiederfinden, sowie mit farblichen Verzerrungen und Überbelichtungen überblendet. So wird die Wahrnehmung der Darstellenden von verschiedenen sich überlagernden Schichten aus Realität und Simulation bestimmt, wobei die in Musikvideos propagierten Vorstellungen von Geschlecht unterlaufen werden.

Das Resultat ist ein überspitztes Spiegelbild der Popkultur der Jahrtausendwende, das die Produktion von abertausenden Musikvideos reflektiert und gleichermaßen kritisiert. Die Musik selbst allerdings wurzelt in einem popkulturellen Höhepunkt, denn es waren Yoko Ono und John Lennon, die den Song Walking on Thin Ice geschrieben und 1980 eingespielt hatten. avaf beziehen sich damit auf das Ende dieser frühen, männlich dominierten Ära der 1960er-Jahre und stellen dem die vermeintlich emanzipierte Popkultur des Millenniums entgegen.

Seth Price
Rejected or Unused Clips, Arranged in Order of Importance, 2003
1-Kanal-Video (Farbe, Ton)
10’ 38”
Sammlung Goetz, Medienkunst, München

Die Videoarbeit Rejected or Unused Clips, Arranged in Order of Importance formuliert eingangs die These einer parallel zum wissenschaftlichen Fortschritt zunehmenden Bedeutung von Religion in den USA. Seth Price hat verschiedene Videoclips und grafische Darstellungen mit Techno- und Popmusik arrangiert, unterlegt mit einer computerisierten männlichen Erzählstimme. Historische Aufnahmen von Kampfjets, Amateurfilme mit Szenen von körperlicher Gewalt und Schmerz, aber auch Katzenvideos werden vergangenen oder zukünftigen Visionen von einer vermeintlich besseren Welt und technischen Entwicklungen gegenübergestellt. Der Künstler zelebriert das widersprüchliche Nebeneinander von Fakten, Glauben und Hoffnung.

In dieser Komposition vermeintlich zusammenhangsloser Clips reflektiert Price den Status quo der Bild- und Medienkultur. Er macht den Missbrauch essenzieller menschlicher Bedürfnisse wie jenen nach Identität und gesellschaftlicher Teilhabe sichtbar, die von einer kommerzialisierten Massenkultur definiert und dominiert werden.

Ryan Gander
Image of a Lightbulb (LAX), 2011
1-Kanal-Video (Farbe, Ton)
68’ 55”, Loop
Sammlung Goetz, München

Ryan Gander verwendet in Image of a Lightbulb (LAX) Bildsequenzen aus unterschiedlichsten Quellen, von einem Smartphone-Fanporträt des Musikers Pharrell Williams über Filmmaterial zur Gründungsgeschichte der USA bis hin zu verschiedenen Ergebnissen einer Google-Suche nach dem Buchstaben X. Es handelt sich um die zehnte Arbeit innerhalb der 31-teiligen Werkserie Loose Associations Lecture, die Gander 2001 begann.

Der Künstler kommentiert in sachlicher Tonlage Fakten, Fiktion und Triviales. Oft nutzt er Details oder Nebensächliches, um zu einer neuen Bildsequenz überzuleiten – es entfaltet sich ein fortwährender Strudel an Bildern, Informationen und Statements zu Referenzen auf die Pop- und Medienkultur, auf Privates wie Öffentliches. Gander schafft Schnittstellen zwischen Kunst und Wissenschaft, zwischen Analyse und Verklärung. So folgen wir seinen sprunghaften Gedanken und seiner assoziativen Herangehensweise, mit der er sprachliche und bildliche Verknüpfungen herstellt. Mittels der künstlerischen Praxis der „Lecture Performance“ verleiht Gander individualisierten Erzählungen aus Geschichte und Gegenwart, wie sie das Internet alltäglich verbreitet, Anschaulichkeit. Er sensibilisiert das Bewusstsein dafür, wie die Algorithmen der Bilder- und Informationsflut des Internets unser Denken lenken.

Jonathan Horowitz
Apocalypto Now, 2009
1-Kanal-Video
(Farbe, Ton)
19’ 37”
Sammlung Goetz, Medienkunst, München

In Jonathan Horowitz’ Apocalypto Now warden historische Ereignisse und Naturkatastrophen mittels einer Montagetechnik exemplarischen Szenen aus der Filmgeschichte gegenübergestellt. Ein zentrales Motiv ist dabei der Klimawandel, dessen apokalyptisches Ausmaß Horowitz anhand all der in Spielfilmen bildgewaltig inszenierten Überflutungen, Stürme und Brände anschaulich macht. Er greift dabei auf kulturhistorische Vorstellungen von der Apokalypse bis hin zur Kreuzigung Jesu Christi zurück, indem er aus deren Rezeption in der über 100-jährigen Filmgeschichte schöpft. Auf diese Weise spürt er den Interpretationen existenzieller menschlicher Bedrohungsszenarien nach.

Die Zusammenschnitte von Spielfilmsequenzen und realen Katastrophenaufnahmen sind mit Kommentaren des populären Physikers Stephen Hawking und des aufgrund seiner religiösen Einstellung umstrittenen Regisseurs und Schauspielers Mel Gibson unterlegt. In der Gegenüberstellung dieser fundamentalen Oppositionen werden reale und fiktive Katastrophen gleichermaßen im Hinblick auf ihre Lesarten, deren Bedingtheit durch den kulturellen Kontext und die jeweiligen Auswirkungen reflektiert.